Miniatura
Miniatura del Cavallo di Troia, tratto dal Vergilius Romanus, un manoscritto dell'Eneide di Virgilio risalente ai primi anni del V secolo
La miniatura è l'immagine realizzata per decorare le lettere iniziali
dei capitoli in un manoscritto, tradizionalmente di colore rosso.
Il termine deriva verosimilmente dal latino
minium, un particolare minerale dal quale si
ricavava il colore rosso[1].
A partire dal XIV secolo, il diffondersi di illustrazioni di piccolo
formato fece sì che il significato di "miniatura" passasse ad
indicare dipinti, oggetti e forme di dimensioni ridotte.
Oltre al vocabolo “miniatura” esiste in italiano anche il termine meno utilizzato di alluminatura o illuminatura (in inglese e francese si usano infatti rispettivamente illumination e enluminure): si suppone che derivi dai colori luminosi e vibranti che risaltano sulla pagina scritta, ma non ci sono fonti a riguardo. Franco Brunello rimanda invece all'allume, chiamato nel Medioevo lume, che veniva mescolato ai coloranti come legante per ottenere lacche[2].
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Indice ·
5 Tecniche di esecuzione e
materiali o
5.1 Pigmenti, lacche, coloranti e
leganti ·
6 Note |
Tipologie
La miniatura è il colore applicato al capolettera dai copisti o scrivani, all'inizio del capitolo o del paragrafo che più correttamente andrebbe indicato col termine di rubricazione. Nel manoscritto il testo è redatto con caratteri che hanno una forma propria: quando la scrittura ha un fine estetico, si parla di calligrafia. Lo studio delle antiche scritture è invece affrontato dalla paleografia.
In ambito tecnico anche i disegni e le decorazioni eseguite con lo stesso inchiostro usato per la scrittura vengono indicati come "calligrafia": la miniatura vera e propria infatti si basa su pigmenti propri e spesso le figure professionali di chi scriveva il testo e di chi lo miniava erano completamente separate.
La miniatura può trovarsi in mezzo al testo ma può non avere alcun rapporto con esso. A seconda della posizione della miniatura sulla pagina si può adoperare la seguente terminologia:
- Scene illustrate
- Pagine intere
- Inserita tra due paragrafi o capitoli
- In margine al testo
- Composizioni decorative
- Fasce laterali
- Cartigli (ornamenti a forma di pergamena con le estremità arrotolate, destinati ad accogliere un'iscrizione)
- Frontespizi (composizioni che si trovano sulla prima pagina di un libro)
- Fine riga (motivi più o meno allungati, della stessa altezza delle lettere, destinati a riempire lo spazio lasciato vuoto sulla destra, per completare una riga)
- Segni di paragrafo (quando il testo è ininterrotto, si pone un motivo dipinto di separazione, piuttosto semplice e stereotipato, fra due paragrafi o due versetti del testo originale)
- Grottesche (ai margini, nelle intestazioni e nei piè di pagina dei manoscritti tardo-gotici, tra intrecci vegetali o creature di sogno, talvolta meno mostruose e comiche. Il termine deriva dalle immagini scoperte a partire dal secolo XV nelle grotte di villa Adriana a Tivoli)
- Iniziali
- Lettere semplici (il loro studio si divide tra estetica e paleografia)
- Lettere campite (per lo più dorate, su uno sfondo colorato, che risaltano motivi stereotipati)
- Lettere abitate (lettere maiuscole a cui si intrecciano piante, animali e perfino personaggi, anche se non si tratta di scene propriamente dette)
- Lettere sintetiche (è il decoro che disegna la lettera).
- Lettere istoriate (scene narrative rappresentate negli spazi liberi della lettera)
- Segni vari (non sono miniature propriamente dette, ma hanno un valore estetico che merita un posto a sé)
- Segni delle impaginazioni
- Si trovano inoltre le bozze incomplete della miniatura da realizzare, tratteggiate con inchiostro pallido o, a partire dal XIII secolo, con grafite e destinate al pittore.
Miniatura in Occidente
Vangeli di Lindisfarne (VIII secolo)
Fratelli Limbourg, Ottobre, Très Riches Heures du duc de Berry (1412-1416)
I primi manoscritti miniati sono i documenti dell'Antico Egitto, costituiti dai papiri, sotto forma di rotoli. Non sono rimaste che poche testimonianze sull'antica decorazione dei papiri in età greco-romana, che avevano la forma di rotuli e poiché andavano svolti a poco a poco, le illustrazioni non erano altro che piccole vignette o figurette che interrompevano le colonne del testo.
La nuova forma del libro e la diffusione della pergamena permisero l'uso delle pagine intere, con illustrazioni di maggiore dimensione e pregio (Iliade Ambrosiana, Virgilio Vaticano, Virgilio Romano).
La scuola bizantina sviluppò nuove convenzioni artistiche creando un taglio netto con la tradizione precedente. Con la diffusione del monachesimo, i centri della cultura europea divennero i monasteri, nei cui scriptoria si copiavano le opere antiche, permettendone la trasmissione alle generazioni future. Amanuense e miniatore erano spesso due figure distinte, anche se quasi sempre, soprattutto nell'alto medioevo, appartenenti alla medesima comunità religiosa e quindi di analoga formazione e cultura figurativa. Il Cristianesimo portò a una perdita di interesse verso la realtà percepita dai sensi e si sviluppò uno stile figurativo dove ogni elemento acquista valore solo in quanto metafora del mondo trascendente. Si sviluppò una relazione stretta tra testo e immagini, con iniziali figurate (da figure umane o animali) e istoriate (con piccole scene o decori vegetali), bordi decorati, monogrammi a piena pagina per le prime lettere del testo, tavole di canoni, immagini didattiche e mnemoniche. Questo processo venne sicuramente favorito dalla sensibilità lineare e ornamentale dei popoli barbarici.
Nei monasteri irlanesi, tra il VII e il IX secolo, si diffuse un tipo di decorazione raffinatissima basata su intrecci di racemi e figure stilizzate, organizzati in complessi schemi geometrici. La maggior parte delle figurazioni umane, quando presenti, erano di natura antinarrativa e sacrale.
La miniatura carolingia vide la committenza degli imperatori stessi tra i committenti di opere librarie, che in questo periodo raggiunsero un vertice per qualità e rilevanza, con una svolta stilistica rispetto al secolo precedente.
Con il risveglio artistico del XII secolo la decorazione dei manoscritti ricevette un nuovo impulso. Gli artisti del tempo eccellevano nella miniatura di margini ed iniziali, ma anche nelle figurazioni, caratterizzate da un tratto vigoroso, linee spesse e uno studio attento del drappeggio. Gli artisti migliorarono la rappresentazione delle forme umane e, nonostante resistesse la tendenza a ripetere i soggetti secondo modi convenzionali, gli sforzi individuali produssero in questo secolo numerose miniature di carattere estremamente elegante. Lo stile del XII secolo lasciò il posto ad immagini di dimensioni ridotte durante il periodo gotico. Le dimensioni dei libri si ridussero notevolmente e aumentò la loro diffusione.
Con l'avvento del XV secolo, sotto l'influenza del Tardo gotico e del Rinascimento, la miniatura ricevette una spinta artistica che la ripropose sulla ribalta continentale. Grandi committenti erano ormai anche le corti e personaggi del mondo laico, che richiedevano opere di qualità estrema.
Con l'introduzione e il diffondersi della stampa la miniatura continuò per lungo tempo ad essere presente, anche se cominciò gradualmente a perdere d'importanza proprio all'aumentare della disponibilità di libri, diventando un aspetto sempre più marginale, certamente per via del costo aggiuntivo della decorazione manuale.
Mondo ebraico
La peculiare situazione ebraica ha visto la dispersione della popolazione in piccole comunità separate che riuscirono a mantenersi autonome sul piano culturale rielaborando, secondo la propria dottrina, le influenze, anche artistiche, circostanti. Le rigide disposizioni bibliche sul divieto di rappresentazione della divinità hanno spesso confuso gli osservatori inesperti. In realtà solo in ambiti circoscritti di particolari libri liturgici la decorazione è stata del tutto evitata. In ogni caso va tenuto presente che, al contrario del sistema occidentale, nella decorazione testuale ebraica il testo è del tutto separato dalle immagini. Lo sviluppo della miniatura ebraica si è avuto in ambiti diversi dai tradizionali centri scrittori a causa delle ovvie difficoltà linguistiche. Lo scriba era dunque un ebreo, sia professionista che dilettante. Nel XV secolo Abraham ben Judah ibn Hayym redasse un testo di miniatura in lingua portoghese scritta con caratteri ebraici. La realizzazione della decorazione del testo, eseguita a parte, fece uso di particolari accorgimenti grafici. Il principale è la micrografia cioè una tecnica, esclusiva del mondo ebraico, consistente nella scrittura a caratteri minutissimi di interi brani disposta talvolta a formare raffigurazioni decorative (fiori, animali ed anche figure umane). Ovviamente il soggetto del testo poteva influenzare la miniatura: nei testi religiosi (libri della bibbia e loro commenti) oltre alla presenza di un repertorio non figurato di festoni e fiori compaiono scene che illustrano i passi più rilevanti. Nei testi liturgici delle festività e in quelli relativi al cerimoniale della pasqua compaiono pure illustrazioni figurative con testimonianze di caratteristiche precipue delle zone di realizzazione. Ad essere decorati erano pure i contratti matrimoniali (almeno fino al XVIII secolo avanzato). L'altro sistema di decorazione consiste nell'evidenziare con oro, colori ecc. l'intera prima parola (o coppia di parole) del testo.
Mondo islamico
Anche nel mondo islamico è esistita una fiorente attività di miniatori che per secoli hanno decorato i libri. Va ricordato che l'introduzione di tipografie in queste aree geografiche fu molto tardo (esistevano stamperie con caratteri orientali ma producevano soprattutto libri per studiosi occidentali) e questo fece sì che la professione di miniatore resistesse più a lungo incontrastata.
Anche i luoghi comuni relativi alla aniconicità (assenza di rappresentazione di figure umane) dell'arte islamica devono essere sfatati. Se è vero che il Corano per la sua particolare sacralità non riceveva alcuna decorazione, se non “astratta” e geometrica, altri testi mostrano invece una grande quantità di immagini.
Persia
Miniatura dell'era Safavide conservata nello Shah Abbas Hotel ad Esfahan
L'arte persiana (e quella ottomana) ha una lunga tradizione nell'uso di miniature. In quest'ambito esse sono di natura illustrativa e sviluppandosi dalla più antica tradizione di decorazione del testo sono diventate illustrazioni a foglio singolo conservate in appositi album (a differenza di queste alla controparte occidentale ad acquerello non si applica i nome di miniatura).
Reza Abbasi (1565 - 1635) è considerato uno dei più rinomati miniaturisti persiani che si siano cimentati in quest'arte, con una preferenza per soggetti naturalistici. Le opere conservate sono reperibili nei maggiori musei del mondo occidentale: lo Smithsonian, il Louvre ed il Metropolitan Museum of Art di New York.
Tecniche di esecuzione e materiali
La tecnica alla base della miniatura è la tempera cioè la dispersione di un pigmento o di una lacca in un legante che permette al colore di aderire al supporto o alla preparazione. I pigmenti sono sostanze per lo più minerali, chimicamente inerti, che hanno bisogno di un adesivo per rimanere in posizione. Le lacche sono invece sostanze vegetali (di solito liquidi) trattate con allume per permetterne la preparazione come pigmenti solidi. Molto più raro è invece l'uso di coloranti applicati direttamente. I colori si mescolavano poco e talvolta non del tutto: l'artista lavorava "tono su tono", a colore asciutto, e giocava con i leganti per ottenere le sfumature a partire dallo stesso pigmento. Per ottenere le ombre viene usata la tecnica della Lavatura d'inchiostro. Dal XV secolo, con la comparsa del guazzo, le campiture sono definite da un contorno ocra realizzato in punta di pennello.
Pigmenti, lacche, coloranti e leganti
Pigmenti
- Rosso: cinabro (solfuro di mercurio) o minio (ossido di piombo, Pb3 O4), terra d'ocra rossa (ossido di ferro).
- Marrone: dall'inchiostro di seppia o dalla terra d'ocra.
- Nero: nerofumo diluito in acqua; inchiostro ferrogallico.
- Azzurro: lapislazzuli (estremamente costoso), azzurrite, ossido di cobalto (dal XVIII secolo),
- Arancione: orpimento e réalgar (sulfuri d'arsenico As2 S2).
- Verde: a base di argille o di composti di rame.
Lacche
- Rosso vermiglione: lacche di robbia e di brasile.
- Azzurro: indaco e guado.
- Gialli:
Coloranti
I coloranti sono ottenuti da prodotti vegetali e animali.
- Giallo: zafferano, curcuma, arzica
- Rosso: robbia e cocciniglia.
- Rosso porpora:
Leganti
Vengono utilizzati leganti e colle per permettere al pigmento di aderire al supporto: colla di pesce, bianco d'uovo, con aggiunta di polvere di chiodo di garofano o allume per prolungarne la conservazione, gomma arabica.
Storia
della miniatura
la fascia dei segni zodiacali (1412-1415)
La miniatura è un'arte che ha rivestito una grandissima importanza nella produzione artistica europea e mediorientale. La sua storia, in alcuni casi parallela a quella della pittura, va dall'antichità, in particolare per l'Europa dal II secolo d.C., sino al tardo rinascimento, quando la diffusione della stampa permise di creare illustrazioni in serie più a buon mercato.
La miniatura esiste fin dall'epoca del papiro, ma è nella tarda antichità, con la comparsa del libro, che parole e immagini arrivarono a fondersi in una perfetta convivenza. La miniatura rappresenta per molti secoli la principale fonte per ricostruire l'arte pittorica, essendo quasi completamente perdute o manomesse le testimonianze di affresco, pittura su tavola o su altri supporti dall'antichità fino al II millennio d.C. Inoltre i codici miniati, essendo costosissimi prodotti di lusso, erano spesso legati alla più alta committenza sia religiosa che laica, preservando traccia del gusto più raffinato di quelle epoche[1].
Origini
Psicostasia, Libro dei Morti di Ani, 1275 a.C. circa
Papiro di Eracle (Oxford, Sackler Library, Oxyrhynchus Pap. 2331), III secolo
I primi manoscritti miniati sono i documenti dell'Antico Egitto, costituiti dai papiri, sotto forma di rotoli più o meno lunghi. Il Libro dei morti di Ani (1275 a.C. circa, custodito al British Museum) misura 24 metri, mentre il Papiro di Torino (1290 a.C.–1224 a.C.) circa 58.
Non sono rimaste che poche testimonianze sull'antica decorazione dei papiri in età greco-romana e quindi la ricostruzione delle origini della storia della decorazione dei testi scritti è ancora oggetto di incertezza. Si conosce che i papiri avevano la forma di rotuli e poiché andavano svolti a poco a poco, le illustrazioni non erano altro che piccole vignette o figurette che interrompevano le colonne del testo. Queste immagini erano solitamente un corredo alle descrizioni scritte o la visualizzazione di episodi narrati, che in ogni caso non modificavano l'impaginazione e la struttura grafica del testo[1].
Si conoscono alcuni frammenti di rotuli mediobizantini che sembrerebbero copie antichizzanti di esemplari classici, dove esiste una sequenza di illustrazioni accompagnate da bervi didascalie: anche in questo caso però le immagini non sono integrate col testo, ma lo sostituiscono.
Secondo le teorie di Weitzmann il cambiamento strutturale dei manoscritti avvenuto tra il I e il III secolo (passaggio dalla forma di rotolo papiraceo a quella di codice pergamenaceo) avrebbe portato ad una diversa organizzazione del testo sulle pagine e posto le basi per uno sviluppo dell'illustrazione del manoscritto.
Miniatura carolingia
Durante il periodo della cosiddetta rinascenza carolingia si sviluppò, probabilmente col supporto dell'autorità di Carlo Magno, una scuola di pittura derivata dai modelli classici, principalmente di tipo bizantino. Se le opere di pittura murale carolinge sono molto scarse, ci sono pervenuti numerosi e splendidi manoscritti miniati dell'epoca, che testimoniano la vitalità artistica dell'epoca nelle arti pittoriche[3].
Il libro rivestì un'importanza fondamentale nell'organizzazione dell'Impero, essendo veicolo delle leggi scritte e del recupero del sapere antico. Per questo gli imperatori stessi furono grandi committenti di opere librarie, che in questo periodo raggiunsero un vertice per qualità e rilevanza, con una svolta stilistica rispetto all'VIII secolo[3].
Appaiono contemporaneamente due modelli di illustrazione:
- il primo, di ispirazione bizantina, in cui sono raffigurati principalmente ritratti di Evangelisti o degli stessi imperatori, con pagine colorate con tinte brillanti ed estese dorature, di solito inserite all'interno di cornici architettoniche e staccate dallo sfondo. Insieme alla ricca decorazione del margine e delle iniziali questo stile fece da modello per l'ulteriore sviluppo della miniatura in occidente[3].
- il secondo, usato per la rappresentazione di scene per lo più bibliche, denotava una maggiore libertà espressiva rispetto al tipo precedente distaccandosi dalla scuola bizantina[3].
Una prima fase riguardò il monastero di Corbie, a nord di Parigi, in Piccardia, nel quale si iniziarono a produrre codici (come il Salterio di Corbie Ms. 18) caratterizzati da una equilibrata sintesi tra testo e immagini, derivata dalla scuola irlandese, con iniziali ornate da personaggi e mostri fantastici[3]. Una seconda fase si registrò con la committenza di Ludovico il Pio, tramite la quale per la prima volta si cercò di penetrare l'arte antica anche riproducendone i caratteri stilistici. Ne sono un esempio gli Evangeli dell'Incoronazione (inizio del IX secolo. Una terza fase è rappresentata da un gruppo di codici provenienti forse da Reims (vangeli di Ebbone, ante 823, e il Salterio di Utrecht), dove si riscontra un'innovativa vitalità espressiva, come per esempio nelle vivide figurette dei codici di Ebbone (cacciatori, letterati, scalpellini, animali simbolici, piante, ecc) o nelle scenette del Salterio di Utrecht, dallo stile narrativo efficace[4].
Miniatura persiana
Scena di ascetismo, Moraqqa’-e Golshan, conservato nel Golestan Palace di Tehran, Iran (XV secolo)
Proprio mentre in Europa la miniatura veniva messa da parte, in Persia, con artisti quali Reza Abbasi, essa viveva un periodo di grande vitalità artistica, con una grande attenzione ai soggetti naturalistici. La miniatura persiana, erede di una lunga tradizione, influenzò la produzione di manoscritti decorati anche nel mondo ottomano fino al XIX secolo.
Etimologia
del termine
La parola miniatura
deriva da minium, termine che nell’età classica e nei
primi secoli del Medioevo indicava il cinabro, ossia il solfuro di mercurio,
sostanza di colore rosso usata già nella pittura antica e adoperata anche per
dipingere in rosso iniziali, titoli e rubriche di testi scritti. Miniare o
minio describere significò originariamente scrivere
con il colore rosso. Più tardi la parola miniatura si estese a indicare la
decorazione e l’illustrazione di un testo scritto.
Nel Medioevo l’arte della miniatura fu detta anche alluminatura o illuminatura. Ad esempio ricordiamo come Dante nel canto XI
del Purgatorio, quando incontra il miniatore Oderisi
da Gubbio, scriva: "'Oh' diss’io lui 'non se' tu Oderisi/ L’onor d’Agobbio e l’onor di quell’arte/ Ch’alluminar chiamata è in
Parisi?'". Il termine è inoltre utilizzato nel più noto trattato medievale
sulla tecnica della miniatura, il De arte illuminandi,
di cui il più antico esemplare noto è il manoscritto di fine Trecento oggi
conservato alla Biblioteca Nazionale di Napoli. L’interpretazione del termine
"alluminare" o "illuminare" è stata oggetto di discussione.
Si è dapprima ritenuto che la parola derivasse dal latino lumen (luce) in
quanto la miniatura, luminosa nell’uso dei colori e della foglia d'oro, dava
preziosità e luce al testo scritto. Più tardi invece, attraverso lo studio dei
trattati di tecnica della miniatura, si è più credibilmente supposto che
"illuminare" o "alluminare" derivi dal termine alumen (allume di rocca). Nella miniatura medievale infatti
si utilizzavano spesso lacche alluminate, ottenute dalla reazione chimica
dell’allume di rocca con certe materie coloranti vegetali.
Per miniatura si intende l’illustrazione destinata all’uso librario condotta a
mano con mezzi pittorici. Questa definizione vale relativamente all’Europa
occidentale e al periodo compreso tra l’età paleocristiana e gli inizi del XVI
secolo. Due eventi fondamentali delimitano il periodo durante il quale l’arte
della miniatura si sviluppò e raggiunse esiti di alta qualità artistica: il
passaggio dal rotolo al codice avvenuto gradualmente tra il I e il III secolo
d. C. e l’avvento della stampa tipografica che, sperimentata per la prima volta
da Gutenberg a Magonza alla metà del XV secolo, si
diffuse poi in tutta l’Europa.
L’illustrazione dal rotolo al codice
Rotolo di papiro con illustrazioni, Parigi, Bibliothèque
Nationale, cod. suppl. gr. 1294, II secolo d.C. Fig.
1 
Il profeta Esdra scrive su un codice; sullo sfondo un armadio
contenente altri volumi manoscritti, dal Codex Amiatinus, Firenze, Biblioteca Laurenziana, cod. Amiat. 1, f. Vr, 700 ca.,
miniatura su pergamena, mm. 500 x 340. Fig. 2
Il
libro aveva anticamente forma di rotolo; era costituito da fogli di papiro o di pergamena
incollati lungo i margini e arrotolati e veniva letto svolgendolo. Ad esso nel
III secolo d. C. si sostituì il codice, formato da fogli di pergamena ripiegati
e che riprendeva il formato rettangolare delle tavolette cerate usate a Roma
fin in età avanzata per le scritture correnti. Già nella civiltà egiziana i
"libri dei morti", scritti su papiro e deposti nelle tombe, erano
decorati con illustrazioni a colori; anche nella civiltà greca e romana, le
poche testimonianze rimaste permettono di evincere che soprattutto i testi
scientifici e letterari erano accompagnati da illustrazioni. Esse, seguendo il
formato del rotolo, erano disegnate tra le righe del testo in composizioni
continue e lateralmente aperte [fig. 1]. È però solo con l’affermazione del
codice che le illustrazioni divengono maggiormente ricche ed elaborate,
adattando i modelli illustrativi usati nel rotolo al nuovo formato piano e
chiuso della pagina e alla nuova disposizione dei tesi scritti [fig. 2].
Il libro rappresentò così per tutto il Medioevo un luogo privilegiato per
l’espressione della cultura artistica. Scrittura e immagini instaurarono un
rapporto intimo e strettissimo. Basti pensare allo sviluppo dell’iniziale che,
già evidenziata nell’antichità per motivi essenzialmente pratici, si sviluppò
dapprima con elementi decorativi, a intreccio, vegetali o animalistici e
divenne poi figurata e istoriata. Così le grandi miniature a piena pagina
rivelano esiti pienamente confrontabili con i risultati raggiunti dalla pittura
monumentale. Inoltre, in alcuni periodi, basti pensare all’età caroligia o ottoniana, proprio la miniatura costituisce una
fonte importante per conoscere la cultura stilistica e iconografica della
gemella arte pittorica, data la perdita di molti cicli ad affresco o di tavole.
Anche dopo la nascita della stampa continuarono fino ai primi decenni del
Cinquecento a prodursi libri manoscritti e libri stampati, gli uni e gli altri
decorati a mano; da questo momento tuttavia la diffusione della stampa e
l’avvento delle tecniche incisorie meccaniche, soprattutto la xilografia, soppiantarono
la decorazione e l’illustrazione miniata.
Rapporto con la storia dell’arte e periodizzazione
Ognuno dei periodi in cui solitamente viene periodizzata la storia dell’arte
medievale trova ampie testimonianze nella storia della miniatura. Dell’età tardoantica e paleocristiana ricordiamo capolavori quali il
Virgilio Vaticano (Città del Vaticano, Biblioteca Apostolica Vaticana, vat. Lat. 3225, vedi 3.2),
L’età altomedievale si apre con l’importante episodio della miniatura
iberno-sassone sviluppatasi nei monasteri benedettini dell’Irlanda e
dell’Inghilterra settentrionale. I libri dei Vangeli usati dai monaci per
evangelizzare le popolazioni pagane del territorio, come il Libro di Durrow (Dublino, Trinity College Library, ms 57), restituiscono, negli incipit decorati con
iniziali a intrecci, uno splendido esempio della commistione raggiunta in
questo periodo tra elementi dell’arte celtica e sassone. La miniatura
carolingia e quella ottoniana sono certo tra le più alte testimonianze di
quella rinascita culturale e figurativa dell’arte e del pensiero antico che si
attua nel IX-X secolo sotto la guida della dinastia franca e sassone.
Ricordiamo ad esempio gli splendidi Vangeli realizzati per Carlo Magno alla
scuola palatina di Aquisgrana, quali ad esempio quelli detti di San Medardo di Soissons (Parigi, Bibliothèque Nationale, lat.
8850), o i Vangeli eseguiti per gli Ottoni dalla scuola di Reichenau
tra cui spicca per importanza il Vangelo di Ottone III oggi a Monaco (Bayerische
Staatsbibliothek, Clm.
4453). Inoltre la miniatura carolingia attraverso la mediazione del tardoantico costituisce un serbatoio di conoscenze della
cultura illustrativa antica.
La nascita in età romanica di scuole regionali, dove - seppure generalizzando -
il recupero di modelli iconografici e stilistici dell’arte bizantina porta alla
formulazione di un linguaggio realistico di scomposizione e crudezza formale, è
esaustivamente esemplificata dalle illustrazioni dei libri liturgici. Nelle
figurazioni delle Bibbie di XII secolo, in stretto parallelismo con quanto
dimostrano i portali scolpiti delle chiese di pellegrinaggio, assistiamo a una
incredibile accelerazione del ricorso alla lettura simbolica e tipologica, come
ad esempio dimostra
Venendo poi all’età gotica essa è pienamente rappresentata ai suoi esordi dai
libri prodotti per re e regine della corte francese, come ad esempio il Salterio
della regina Cristina (Copenaghen, Det Kongelige Bibliotek, Ms. GKS
1606) o
Pittori e miniatori
Anche la professione del miniatore raggiunge nel Trecento una maggiore
affermazione nel contesto sociale. Conosciamo sempre più nomi di miniatori e
sempre di più appaiono le testimonianze di pittori che praticarono anche
Per
poter studiare, si rese quindi necessaria la riproduzione dei libri e , poiché
a quel tempo non era ancora stata inventata la stampa, i libri potevano essere
riprodotti solo copiandoli a mano: nasce così la figura degli amanuensi, umili
ed anonimi monaci che avevano il compito di riprodurre pazientemente a mano le
Sacre Scritture, opere greche e latine, testi di grandi storici, poeti e
naturalisti e, grazie al romano Cassiodoro,
consapevole di quanto fosse importante che la cultura e le tradizioni delle
antiche civiltà non andassero perdute, anche testi profani.
I
libri ricopiati servivano ai monaci per la lettura e l'insegnamento. Era nei
monasteri infatti che la cultura veniva custodita e tramandata ed alcuni di
questi monasteri avevano biblioteche in cui erano custoditi i preziosi libri
salvati dalla distruzione dei barbari.
I monaci che si dedicavano a questa attività studiavano le arti liberali
(grammatica, dialettica, retorica, aritmetica, geometria, musica, astronomia) e
spesso, nel lavoro di esegesi e nelle traduzioni, assumevano l'arbitrio di
apporre interpolazioni o estrapolazioni allo scopo di dare un senso cristiano
alla quasi totalità dei concetti e a tale proposito aggiungevano , a volte,
anche una breve preghiera alla fine del libro.
Grazie
all'opera degli Amanuensi, sono arrivati sino a noi tanti capolavori che
altrimenti sarebbero andati perduti ed è per questo che i monasteri fpossono essere considerati dei veri e propri centri di
promozione culturale oltre che di fede e spiritualità.
Il
lavoro di copiatura era molto lungo e faticoso tanto è vero che, per ricopiare
la Bibbia, era necessario un intero anno di lavoro fatto da più persone e vi
erano persino dei testi così estesi e complicati che spesso non bastava l'
intera vita di un Amanuense per realizzarne una copia. Proprio per questo, nei
testi dei secoli IX e X, si trovano spesso affermazioni come questa:
"L'approdo non è più gradito al marinaio di quanto non sia l'ultima riga
del manoscritto allo stanco amanuense".
La media di copiatura era di 10-12 pagine al giorno nonostante di solito gli
amanuensi fossero esonerati dalle preghiere della terza, sesta e nona ora
proprio per non dover interrompere il loro lavoro nelle ore di luce. Gli
amanuensi erano costretti a stare chiusi per ore ed ore nello scriptorium ( dal latino: luogo dove si scrive), fermi
nella stessa posizione, con le dita e la mano che si irrigidivano per i crampi.
Lo
scriptorium era una sala spaziosa ed illuminata da
numerose finestre. Nella posizione più idonea a ricevere la luce c' erano i
tavoli dove lavoravano i monaci amanuensi. Non in tutti i monasteri c'era però
lo scriptorium; in tal caso, i monaci svolgevano il
lavoro di scrittura nel refettorio o nelle celle individuali.
All'interno
dello scriptorium vi era una specifica suddivisione
dei compiti.
l
lavori di preparazione, come ad esempio lisciare i fogli di pergamena e
tracciare le linee parallele che avrebbero guidato la mano del copista
,spettavano ad aiutanti comuni chiamati Scriptores.
La
copiatura spettava ai copisti, generalmente schiavi eruditi chiamati dagli
antichi romani "servus a manu"
e che provvedevano a realizzare, sempre manualmente e con bella grafia, le
copie delle varie pagine che componevano il libro. I copisti utilizzavano piani
d'appoggio, a volte con il piano inclinato: il manoscritto da copiare era
poggiato su di un leggio fissato ad un supporto.
Gli
Amanuensi scrivevano o meglio trascrivevano il testo, avendo cura della fedeltà
dello scritto e della qualità del carattere, sui fogli di pergamena cioè pelle
di agnello, pecora, montone o capra lavorata in modo da divenire liscia e
chiamata pergamena in quanto entrata nell'uso comune per la prima volta a
Pèrgamo, città dell' Asia Minore.
La
decorazione spettava invece ai miniaturisti i quali avevano un compito
certamente secondario rispetto al fatto di riprodurre e tramandare un testo, ma
sicuramente più appariscente, più artistico e di forte impatto visivo.
Le loro meravigliose creazioni danno inizio, nei testi medievali, ai paragrafi
e ai capitoli e molto spesso, nell'immaginario collettivo, s'identificano con
lo stesso Medioevo. Si tramandano infatti pochi nomi di amanuensi, ma si citano
molti nomi di artisti miniaturisti, alcuni dei quali erano anche talentuosi
pittori nel senso tradizionale del termine che, nei periodi di scarso lavoro,
non disdegnavano di prestare la propria opera a servizio della Chiesa o dei
Signori che ne facevano richiesta. I miniaturisti realizzavano spesso
autentiche opere d'arte miniate che volevano riflettere la grandezza e la gloria
di Dio e venivano create con oro zecchino a 24 carati applicato su una base in
gesso, per esaltarne la spazialità e poi lucidato con un brunitoio in pietra
d'agata.
La
miniatura era già stata usata come decorazione di manoscritti ai tempi degli
Egizi e dei Greci, ma ebbe il suo massimo sviluppo nel Medio Evo. La parola
'miniatura' deriva dal latino minium, il colore usato
per riquadrare le pagine e per scrivere i titoli e le lettere iniziali dei
manoscritti. Gli amanuensi infatti lasciavano appositamente in bianco la
lettera iniziale di ogni capitolo affinché venisse poi ' miniata' dai
miniaturisti il cui compito era quello di illustrare, illuminare ed arricchire
il testo con fregi, decorazioni, cartigli e figure varie, inserendosi con
abilità nei margini, nei bordi, nelle lettere maiuscole, con tutta la grazia
ricca e delicata di cui erano maestri.
Ai miniaturisti piaceva adornare la lettera iniziale di ogni capitolo o di ogni
pagina con dorature o con vivaci colori come il rosso per le prime linee scritte,
le lettere maiuscole ed i titoli, il verde e l' azzurro per le lettere iniziali
e l' oro e l' argento per codici di lusso destinati al culto religioso. Essi
inserivano nel testo delle piccole e bellissime raffigurazioni di angeli, di
santi o di scene della vita di ogni giorno. In qualche libro, i margini di
ciascuna pagina venivano decorati con ghirlande di fiori e di foglie e spesso,
in mezzo a questi bordi infiorati venivano dipinti anche animaletti quali api,
farfalle,scarabei e libellule.
Le
miniature, col passare del tempo, divennero piccoli capolavori contenuti nello
spazio di pochi centimetri quadrati all'interno degli Evangelari ( raccolta di
testi sacri, messali), nei Salteri (raccolta di salmi) e nelle Bibbie che
ebbero, grazie all'uso dell'oro e della porpora, un aspetto molto elegante.
Il
codice medioevale non aveva una pagina dedicata al titolo, ma iniziava con la
frase scritta con l'inchiostro rosso e con le lettere ingrandite: era l'incipit
(inizio) e finiva con la parola explicit ( fine),
dopo la quale si poteva trovare la sottoscrizione in cui erano indicati il nome
del monaco amanuense, la data in cui aveva finito di scrivere e le persone per
le quali aveva scritto.
Infine
la rilegatura ? essenziale per l'uso e la conservazione dei testi ? spettava ai
rilegatori, che spesso traducevano il loro lavoro in realizzazioni artigianali
ed artistiche di altissimo livello in quanto spesso la rilegatura era in cuoio
ed i volumi venivano abbelliti con massicci angoli d'argento lavorato a mano e con
grossi fermagli. Alcuni libri venivano invece ricoperti di velluto o con una
tavoletta d'avorio scolpito in basso rilievo. Qualche esemplare era perfino
rivestito con una lamina d'oro battuto e riposto negli scrigni insieme con
perle ed altri gioielli.
Pertanto
ogni libro, ogni pagina, ogni parola ed ogni lettera erano frutto di uno sforzo
artistico ed artigianale che vedeva collaborare fra loro una vera e propria
equipe specializzata in Vangeli, Messali, Libri d' Ore, Corali, oggetti
preziosi e lussuosi, custoditi gelosamente nei tesori e nelle biblioteche ed
utilizzati per la liturgia ufficiale o per disparati usi privati.
Simone
Martini
Simone Martini, indicato talvolta anche come Simone Sanese (Siena, 1284 – Avignone, 1344), è stato un pittore e miniatore italiano, considerato indiscutibilmente uno dei maestri della scuola senese e sicuramente uno dei maggiori e più influenti artisti del Trecento italiano, l'unico in grado di contendere lo scettro di maggiore artista del trecento a Giotto. La sua formazione avvenne, probabilmente, nella bottega di Duccio di Buoninsegna.
Biografia e opere
Le prime opere
Simone Martini nacque a Siena nel 1284. I primi segni di attività artistica risalgono al 1305-1310 circa, quando il giovane Simone aveva circa 20-25 anni. A questa prima fase di attività sono attribuite una Madonna col bambino, di cui si ignora la collocazione di origine e che è oggi esposta nella Pinacoteca Nazionale di Siena (catalogata come opera n. 583), e una Madonna della Misericordia, proveniente dalla chiesa di San Bartolomeo a Vertine, nel Chianti, e anch'essa esposta nella Pinacoteca Nazionale di Siena. Quest'ultima si ritiene prodotta in collaborazione con Memmo di Filippuccio, soprattutto nei "raccomandati" raccolti sotto il manto di Maria. A questa fase alcuni ritengono debba appartenere anche la Croce dipinta proveniente dal Convento delle Cappuccine a Siena e anch'esso conservato alla Pinacoteca Nazionale di Siena. Questo primo Simone Martini è molto vicino a Duccio di Buoninsegna, come è evidente dal volto, manto e postura di Maria nella Madonna col Bambino n. 583. Tuttavia la ricchezza di dettagli decorativi e la resa scrupolosa di dettagli anatomici denotano il talento di Simone Martini, già in questi primi anni.
Successivamente a queste prime opere, ma in un periodo ancora precedente la realizzazione della grandiosa Maestà del Palazzo Pubblico di Siena, si ritiene che Simone Martini abbia dipinto un affresco di cui rimane solo la testa della Madonna, ed ospitata oggi dalla Chiesa di San Lorenzo al Ponte a San Gimignano (1310 ca.), e una lacunosa Maestà in esposizione al Museo di Capodimonte di Napoli (1310-1312 ca.). Queste opere, soprattutto la seconda, mostrano i segni di una transizione dal primo Simone Martini, ancora molto vicino al suo maestro Duccio di Buoninsegna, ad uno stile autonomo dell'artista già evidente nella Maestà del Palazzo Pubblico di Siena.
Bibbia
di Borso d'Este
Stemma degli Este
Pagina della Bibbia di Borso d'Este
La Bibbia di Borso d'Este è un codice miniato in due volumi da Taddeo Crivelli e altri tra il 1455 e il 1461. È conservata nella Biblioteca Estense di Modena col codice Ms. Lat. 422-423.
Storia
La Bibbia di Borso d'Este, una delle più mature espressioni della miniatura rinascimentale, fu eseguita su pergamena nell'arco di sei anni da una squadra di artisti diretta dal Crivelli e da Franco dei Russi. Seguendo le sorti della casata fu portata da Ferrara a Modena nel 1598, dove rimase fino alla fine del ducato nel 1859. In quell'occasione venne presa, assieme ai tesori più preziosi della casata da Francesco V in fuga. Portata fuori dall'Italia venne recuperata durante la prima guerra mondiale, quando fu acquistata a un'asta dal senatore Giovanni Treccani e poi donata alla biblioteca modenese.
Descrizione e stile
Ogni pagina della Bibbia è decorata da un'elegante cornice di girali e altri ornamenti, con il testo organizzato su due colonne. nella cornice si trovano spesso scene figurate, soprattutto nella parte inferiore, dove si notano spesso ambientazioni in prospettiva, aggiornate alle conquiste della pittura coeva. Spesso si trovano scene anche tra le colonne di testo, magari accanto alle lettere capitali figurate o istoriate. Nelle volute agli angoli si trovano spesso animali, analizzati con vivace spirito di osservazione che ricorda il gusto cortese, spesso legati a riferimenti araldici a Borso e alla sua casata.
Altre immagini
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Animali |
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